Estopa

Estopa es un grupo de pop/rumba/flamenco fundado en 1999 por los hermanos José y David Muñoz, que son naturales del barrio San Ildefonso, municipio de Cornellá de Llobregat, Barcelona.

Su último trabajo oficial fue en la producción de piezas para automóviles en una de las filiales de SEAT, Novel Lahnwek , dónde se gestaron algunas de las letras de las canciones del conjunto,de ahí que su primer éxito "La raja de tu falda" nombrase un modelo de SEAT (Seat Panda).

De esta fábrica sale también el nombre del grupo "ESTOPA",

Debido a que su encargado les repetía la frase: Dale estopa!,para que rindieran más con el fin de mejorar su productividad y no se distrajeran.

DISCOGRAFÍA:

Estopa (1999-2000)

Su álbum salió a la calle el 19 de octubre de 1999.El sencillo "Suma y sigue" que tuvo mucha repercusión y empezó a sonar en todas las emisoras de radio, pero sería tres meses más tarde con el sencillo "La raja de tu falda" el que les llevara a la fama.

Iniciaron la gira Ducados 2000 ‘ que los llevó por toda España y gran parte de Latino América. Lograron vender 1.000.000 de discos.

Destrangis (2001-2003)

Con un segundo álbum "Destrangis" consiguieron unas ventas de 800.000 ejemplares. Su primer single fue "Partiendo la pana", tema que sonó bastante.

Tras el éxito del disco decidieron reeditarlo al año siguiente con el título de "Más Destrangis", incluyendo 3 temas nuevos y un DVD con varios videoclips y conciertos de su gira de 2002, aún así, vendieron 200.000 copias más.

¿La calle es tuya? (2004)

Su tercer álbum ve la luz el 3 de marzo de 2004, y vende 300.000 copias la primera semana.

La gira, llamada "Muñoz vs. Muñoz", les llevaría por todas las provincias españolas, con cerca de 60 conciertos, de nuevo llenando grandes recintos como Las Ventas.Finalizada la gira, realizaron un pequeño tour por el continente latinoamericano dónde Estopa acudió a Argentina, México, Chilé y Perú.

Voces de Ultrarumba (2005)

Empezaron a grabar su cuarto álbum a finales de agosto de 2005, publicaron el 21 de noviembre del año 2005: Voces de Ultratumba. Incluye una entrevista del grupo con el humorista catalán Andreu Buenafuente. En ese momento los hermanos Muñoz eran la élite del canto de rumbas en España. De este trabajo,en un solo día, se consiguió vender más de 200.000 copias, situándose número de ventas en España.

Allenrok (2008)

Han empezado a grabar su quinto disco, Allenrok, cuyo título no es más que el nombre de su ciudad, Cornellà, escrito al revés y con K. De este nuevo álbum sólo se sabe que será producido por los dos hermanos. Se publicará el 26 de febrero de 2008 y contendra 12 canciones cuyos títulos son los siguientes: 1.-Cuando amanece, 2.- Cuerpo triste, 3.- Era, 4.- Rumba que tumba, 5.- La matraca, 6.- Desempolvando, 7.- Descatalogando, 8.- Hemicraneal, 9.- Jugar al despiste, 10.- Run run, 11.- Vientos de tormenta, 12.- Pesadilla.

Videos de Estopa

http://www.youtube.com/watch?v=jMv-h4qEm_k

http://www.youtube.com/watch?v=uXy9qF4kw4M&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=D7j3BgsDl-E&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=Ttw3rLbWnwg&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=XvojNQcW8ug&feature=related

Lara Zarzoso 3C

Gustavo Dudamel

Un concierto dirigido por el venezolano Gustavo Dudamel será el primer vídeo íntegro de música clásica que se venderá a través del portal de internet iTunes, según informa en su página web la Orquesta Filarmónica de Los Angeles. La grabación recogerá íntegramente el concierto de presentación de Dudamel como nuevo director de la filarmónica angelina que tuvo lugar el pasado 8 de octubre en el auditorio Walt Disney Concert Hall de la ciudad californiana. El repertorio de aquella actuación incluyó la Sinfonía número 1 de Mahler y City Noir de John Adams, que fue encargada específicamente para ese evento. El vídeo del concierto de Gustavo Dudamel estará disponible en iTunes a partir del 14 de septiembre como parte de la serie de conciertos del sello Deutsche Grammophon.

De hecho, Gustavo Dudamel hizo un concierto previo con la filarmónica en el Hollywood Bowl ante 18.000 personas. Este concierto, llamado "¡Bienvenido Gustavo!", sirvió de actuación previa a su estreno oficial, que es el que ahora se distribuye digitalmente.

Dudamel está considerado uno de los grandes directores del momento. Más atento a la expresión y a las líneas internas de la partitura que al tiempo, el cual emana como mera consecuencia de las anteriores, la maestría de Leonard Bernstein se reconoce en muchos de sus gestos: por ejemplo, en cómo "recibe" el sonido, con el cuerpo ligeramente echado atrás, y en la libertad que comunica a los intérpretes, muchas veces "dimitiendo" de las indicaciones de batuta para valerse sólo de la mirada.

Rebeca Chover 3E

Bienvenus...

Estos días nos visitan unos alumnos franceses de intercambio. Ellos proceden de Rennes y tienen previsto conocer un poco de nuestro entorno: la Albufera, la Ciudad de las Artes y las Ciencias, la ciudad de Valencia.

En su honor intentaré hablar de un grupo francés que se ha considerado de los más importantes de los últimos tiempos.

Air es un duo francés que hace música electrónica. Posiblemente mis alumnos no conozcan nada de este grupo, pero hay que reconocer que tienen un sonido influenciado por los grandes de la escena como Jean Michel Jarre, Vangelis o Tangerine Dream.

Espero que a partir de ahora este grupo tenga algún que otro seguidor por estos lares. Os dejo con su música.

Días de cine

Como trabajo de final de Curso, e influenciados por un blog amigo (Musical Blogies), nos convertimos en aprendices de Almodóvar, Amenábar y Buñuel.

El caso es que hemos intentado, cada grupo a su manera, realizar un videoclip de alguna canción que les gustara.

Los primeros pasos fueron tediosos: elección de la canción, confección del storyboard, búsqueda de exteriores, preparación de coreografías, etc.

Los resultados comienzan a verse y, no se de que forma, los vídeos, que en un principio tenían ellos solos (les daba apuro y vergüenza) han acabado en Internet sin que yo tenga nada que ver. Esta fase es la que me da pie poder hablar de ellos y comentarlos. Vaya por delante que mis alumnos no son actores, bailarines ni nada por el estilo, pero se han metido en sus papeles y han realizado unas versiones muy dignas. Mi enhorabuena a todos ellos.

Abba es un grupo de música pop que fue elegido para iniciar nuestra ronda de videoclips. La canción de este grupo es Waterloo, con la que ganaron el Festival de la Canción de Eurovisión de 1974.

Pink Floyd es un grupo de música Rock completamente distinto al anterior. De todas sus canciones hemos elegido Another Brick in the Wall, perteneciente al álbum The Wall. Esta canción supone una gran crítica a la enseñanza rígida y fue censurada en muchos países.

Todo a la vez.

El día 12 de marzo escribieron sobre nuestro blog.

He colocado la reseña para que podáis leerla.

Enhorabuena a todos los alumnos que participaron y que son los verdaderos artífices de este blog. Espero que algún alumno más se anime y vuelva a funcionar el blog.

Por otro lado nos llega un meme (premio) que consiste en hablar de quién nos lo dió: Jesús, y nombrar 5 blogs amigos a quién les mandamos el premio.

Espero que me digáis a quién les mandamos este premio...

Green Day

Green Day es una banda estadounidense de punk rock, originaria de Berkeley, California y formada en 1989 por Billie Joe Armstrong y Mike Dirnt, a los que se sumó, un año más tarde, Al Sobrante para fundar Sweet Children, que fue renombrada más tarde a Green Day.

Fueron unos de los impulsores de la segunda oleada del punk, tras los años 80, cuando grabaron en el año de 1994 el álbum Dookie, su tercer disco. Actualmente está formada por Billie Joe Armstrong (voz y guitarra), Mike Dirnt (bajo y coros) y Tré Cool (batería). Los miembros de apoyo son Jason White (guitarra), Jason Freese (teclado y saxofón), y Ronnie Blake (trompeta).

Tras el tremendo éxito de Dookie, la banda no logró acercarse a las ventas, pese a que fueron buenas, y críticas de aquel hasta que diez años después, con American Idiot y publicado en 2004, la banda volvió a disfrutar del éxito mundial. Green Day ha vendido alrededor de 60 millones de discos en todo el mundo, 22 de ellos sólo en el mercado estadounidense

Actualmente se han renovado el nombre aunque no se sabe muy bien cual es.

OLGA / MARTA / ÉRIKA

La Trompa

La Trompa es un instrumento de viento que tiene normalmente un tubo cónico abierto que deriva de las formas de los cuernos o los colmillos de los animales. La trompa suena por la vibración de los labios del intérprete apoyados en la embocadura (como en la trompeta). Los cuernos que producen una o dos notas cuando se sopla por un agujero se encuentran en muchas culturas. Entre esas trompas podemos incluir a la trompa de postillón medieval, los cuernos reales de marfil de África, el cornu romano, y el shofar judío. Muchos de estos instrumentos fueron imitados en metal y dieron lugar a trompas como el gran lur de la antigua Escandinavia. Otros descendientes de los cuernos son la trompa de los Alpes, el clarín, la corneta, y la corneta renacentista (cornetto), un cuerno de madera con orificios para los dedos.

La trompa francesa de orquesta se desarrolló en torno a 1650. Es una versión grande de la más pequeña trompa de caza que había sido rediseñada con un tubo enrollado en círculo. La trompa de caza francesa, que se introdujo en la orquesta a finales del siglo XVIII, producía en torno a veinte de los armónicos naturales. La trompa ganó más flexibilidad hacia 1750 con la invención de la técnica de introducción de la mano derecha en el pabellón, con la que se variaba la afinación de las notas hasta un tono. A pesar de este avance, el excesivo tamaño de los tubos, llamados secciones, hizo necesario instalar muchas llaves. La invención de la válvulas a finales del siglo XIX revolucionó la trompa, ya que permitió al intérprete variar la longitud del tubo moviendo un dedo. La trompa en fa con tres válvulas puede producir una escala cromática en tres octavas, desde el si2 (se anota una quinta alta). Los ejecutantes modernos utilizan la mano en el pabellón para variar la afinación y el color del sonido.

La trompa en fa tiene tres válvulas, secciones de tubería estrecha que se abre al final en un pabellón en forma de campana ancha, y boquilla de embudo que justifica el sonido blando y dulce. La trompa tenor-bajo en fa y si bemol, introducida hacia 1900, reemplazó a la trompa en fa. Equipada con una válvula extra para prolongar el tubo hasta el si bemol, ofrece ventajas técnicas. Las orquestas más modernas incluyen cuatro de estos instrumentos. El corno inglés, frente a lo que su nombre parece indicar, es un oboe contralto. Entre las obras escritas especialmente para el instrumento, recuérdese los cuatro conciertos para trompa y orquesta escritos por Mozart.

Fernando 4D

Instrumentos Tradicionales Chinos

Guqin (古琴): Es una cítara de siete cuerdas. Suena muy pausado y refinado, como a música religiosa milenaria, y muchos extranjeros  intentan aprender a tocarlo cuando vienen a China.

Guzheng (古箏): Cítara más grande que el Guqin, de entre 15 y 25 cuerdas y con unas clavijas en el centro de la tabla. Un instrumento muy popular hoy en día en China, o eso parece, porque cuando entras en una tienda de música lo primero que sueles encontrarte es un montón de guzhengs colgados en las paredes. Este instrumento también es muy apreciado por extranjeros.

Konghou (箜篌): Lo que en español conocemos como arpa. Instrumento usado hace siglos en China, aunque las arpas chinas actuales son diferentes a las antiguas, tomando su aspecto de las occidentales.

Pipa (琵琶): Una especie de laúd chino que no tiene que ver nada con el tabaco. Se toca con uñas postizas, con el laúd en posición vertical, y es un instrumento omnipresente en la música tradicional que hoy en día se escucha en China.

Sanxian (三弦): Laúd con la caja tapada por una piel de serpiente. Su 

sonido es un poco "sucio", similar al del banjo americano, pero es bastante agradable de oír. Como otros instrumentos antes mencionados, tiene un primo japonés muy parecido: en este caso es el shamisen, que se diferencia, entre otras cosas, porque no usa piel de serpiente, sino de gato o de perro.

Liuqin (柳琴): Otro laúd, muy gracioso en este caso porque tiene "cara", no se si la veis en la foto. Su sonido punteado es similar al de la mandolina italiana o la bandurria española.

Erhu (二胡): El violín más famoso de los chinos, con dos cuerdas, una caja diminuta también tapada con piel de serpiente, y un sonido muy característico. No se apoya en el hombro, sino en la pierna, por lo que se ha de tocar sentado y con el instrumento en posición vertical. No mucha gente en el extranjero conoce el nombre del erhu, pero al oír su sonido, enseguida identifican la música como china. Muchas veces se ve a mendigos que lo tocan para pedir la voluntad. 

Dizi (笛子): Flauta travesera de bambú, de sonido agudo y vibrante también muy oriental, es decir, que a nada que oyes unas notas ya sabes de qué país viene la música.

Sheng (笙): El más espectacular instrumento tradicional chino: es como un órgano de iglesia, pero en miniatura y se toca soplando en él por la boca. Se dice que inspiró a los creadores en Europa de la armónica, el acordeón y el órgano, ahí es nada. Su sonido, también muy característico en la música china, es bastante agradable, metálico pero suave.

María 4D

La Bachata

La Bachata es un rítmo bailable originario de la República Dominicana. Se concidera un híbrido del bolero (sobre todo, del bolero rítmico) de origen español, con otras influencias musicales de origen africano como son el son, el merengue, el cha-cha-cha y el tango.

En el pasado reciente, era desdeñada como música de las clases pobres y era conocida como “música de amargue”. Apenas eran escuchadas en las estaciones de radio (con excepción de unas pocas). Pero el interés surgió a partir de los años 80, con la expansión de los medios masivos de comunicación, con el auge del turismo, y con el esfuerzo de algunos compositores que vieron que había surgido un género diferenciado de expresión de lo popular.Autores como Juan Luis Guerra y Víctor Víctor en los años 90, y de Luis Días en los 80, aportaron una visión diferente que articulaba esta expresión musical con lo urbano marginal. La expansión del turismo en República dominicana a partir de los 80, le hizo ganar popularidad, y la convirtió en un género que ha penetrado todos los estratos y espacios del pais e internacionalmente.

La bachata, reproduce el mismo espíritu melancólico, nostálgico y de animosidad amorosa de otras expresiones musicales latinoamericanas como el llamado tango-canción de los barrios porteños de Buenos Aires, donde se combina la animosidad pasional (amor-desamor) con la nostalgia del migrante. Al igual en la bachata conocemos de esta nostalgia en la expresion musical debido al hecho de que esto coincidió con el período de mayor auge de la cultura sub-urbana proveniente de la migración rural-urbana a partir de 1961. En ese período se le conoce como “música de amargue” por ese sentido nostálgico que evocaba.

En las primeras etapas, buena parte de los artistas musicales nacionales rechazaban la bachata como género o estilo musical, pero en la actualidad artistas de renombre han incursionado en dicho género grabando bachatas e incluso interpretándolas en conciertos.

Los Bachateros

• Alex Rosario 
  
• Andy peña 
  
• Antonio Rios 
  
• Blas Duran 
  
• Braulio Rodriguez
  
• Chicho Severino  
  
• Clary Soto 
  
• Daniel Mocion 
  
• El Gringo 
  
• Elvis Martinez 
• Antony Santos
  
• Brenda
  
• El Chaval
  
• Franklin Medina
  
• José Manuel
  
• Luis Segura
  
• Milly Quezada
  
• Ramón Cordero
  
• Rubén del Rio
  
• Victor & Shire
  

Ingrid 4º C

La música en los anuncios

Detrás de la música de un spot se esconden profesionales del sonido que han puesto todo su esfuerzo en ofrecer la mejor producción musical para reforzar el impacto visual de las imágenes. Personajes anónimos que tienen mucho que contar sobre las relaciones que se establecen en el proceso creativo entre cliente, agencia y productora.

El anuncio que más éxito tuvo y el que volvió quizá a poner de moda la importancia de la música en publicidad fue el anuncio “Viaje” para Telefónica Movistar con la canción de Marvin Gaye “Ain’t no mountain high enough”. Arturo López, director creativo de Young & Rubicam, fue el responsable. “Dentro de Telefónica Movistar podríamos sacar un cd con las músicas y sería un hit parade. La agencia y el cliente hemos hecho una labor de investigación musical y de apostar por músicas que sean reconocibles y aporten cosas a la marca”.

Para muchos la televisión es el medio que define qué es la publicidad. Gracias a la estimulación multisensorial, la televisión ofrece la oportunidad de que la publicidad se convierta en todo lo que es capaz. La televisión ofrece dos oportunidades extraordinarias. Primero, la amplitud de posibilidades de comunicación permite la expresión creativa sobresaliente del valor de una marca, segundo, una vez que se preparo la presentación espectacular de la marca, es posible difundirla a millones de consumidores, muchas veces a un costo de fracciones de centavo por minuto.

Mientras, el humor es una estrategia general para todos los consumidores, la publicidad sentimental o en la que aparecen niños, bebés o animales atrae predominantemente a las mujeres. Por otra parte, el discurso dirigido a los públicos objetivos jóvenes pasa sobre todo por la música. Hasta los 39 años, la música juega un papel importante en la publicidad, aunque con la edad ésta va perdiendo importancia para el consumidor.

Otra tendencia importante es que casi a la mitad de los consumidores, independientemente de su edad o sexo, le gusta la publicidad que le hace pensar. Los personajes famosos como imágenes publicitarias carecen de importancia, ya que sólo a un reducido porcentaje de la población le gusta esta publicidad.

La música se ha propagado muchísimo en los últimos años, lo que puede ser también un importante criterio de valoración. A pesar de las diferencias socioculturales, todo el mundo se identifica con algún tipo de música. Esto supone un arma para los publicitarios, que la utilizan en sus campañas. Todos estamos abiertos a ella, ya que, aun suponiendo que no nos guste un estilo determinado, como puede ser el pop, un anuncio con este tipo de música, y más si es pegadiza, nos llegará con más fuerza. El uso de un fragmento musical que se aproxime al sonido de grupos o intérpretes famosos, crea un mayor impacto en el espectador, llamando más aún su atención. Esto hace que los seguidores de estos grupos se sientan más identificas con el producto que sus ídolos anuncian. Las agencias también recurren a actores, modelos, presentadores de televisión,... Cualquier persona “famosa” que aparezca en un anuncio televisivo, hace aumentar el conocimiento que se tiene del producto entre los espectadores, lo que incrementará las ventas. Pero, si además suena una canción suya, esto se multiplicará (al igual que el coste de la campaña).

Eva Selma

EUROVISIÓN Y RODOLFO

La historia de Eurovisión arranca a finales de los años 50, cuando algunos países europeos creyeron en hacer una puesta en común de sus estilos musicales en bien de la música. En ese concurso un país se jugaba su honor, era un concurso serio y todos lo seguían con fervor. De él nacieron grandes canciones, verdaderos himnos que quedaron para la historia: el La, La, La de Massiel; nacieron grandes cantantes o grupos como ABBA, que marcaron un antes y un después en la música. Nacieron nuevos estilos, se imponían modas, pero… que es hoy el festival de Eurovisión.

En nuestro país la elección de Rodolfo Chiquilicuatre y su canción el Chiki Chiki ha puesto de manifiesto una cruda realidad: apostamos por una puesta en escena que llame la atención, sin tener en cuenta el verdadero motivo: la canción, la música. 

¿Estamos ante el declive del festival? ¿Realmente nos importa el futuro de la música?. Ya hace años que las canciones que presentan los países asistentes no aportan nada o muy poco al panorama musical; no representan éxitos en las listas de los 40 principales. Después del día del concurso nadie reconoce la canción ganadora. 

Sin embargo con Rodolfo y su canción se ha conseguido que de nuevo se volviera a ver el Festival, se hablara de él (alguien se acuerda quien participó el año pasado por España), que su canción suene, de hecho mucho antes del concurso. Todos sabíamos que el cantante no lo es, es un actor de teatro y de doblaje, que su canción nació como una parodia en una cadena de televisión privada, pero ganó enfrente de otras canciones mas “serias”.

Resumiendo, yo me pregunto, ¿realmente los españoles creemos en este concurso como plataforma musical de nuevos cantantes, como aportación sustancial a la música? Visto lo visto, creo sinceramente que no y lo hemos demostrado enviando a un actor para que represente una obra de teatro, que es en lo que se ha convertido el festival.

Aleix 3C

El techno

El techno es un estilo de música electrónica bailable, creado en los primeros años de la década de los '80 en la ciudad estadounidense de Detroit. Hubo influencias tanto del electro como del house.

Se caracteriza por un ritmo monótono y repetitivo, pero bailable en 4/4, y la consecuente utilización de instrumentos electrónicos, como sintetizadores y samplers. A diferencia de otros estilos como el electro pop, el techno no utiliza la estructura de una canción, sino que es estructurado de manera repetitiva, para maximizar el efecto bailable de la música, así como para potenciar los efectos que la mayoría de "discotequeros" buscan en el éxtasis.

María 4D

Música de Cámara

La música de cámara es una forma de música académica, escrita para un pequeño grupo de instrumentos, que tradicionalmente podían ser ubicados en una sala palaciega.

Hay dos detalles que permiten caracterizar cabalmente una obra de cámara: 1) cada músico toca una parte diferente y 2) no hay director; los músicos deben estar ubicados de manera de poder mirarse entre sí, para lograr la mejor coordinación. No se incluyen las obras para instrumentos solos (eso deja de lado toda la literatura para piano solo y composiciones como las sonatas y partitas para violín o las suites para violoncello, de Bach). 

La palabra cámara implica que la música puede ser ejecutada en una habitación, con una atmósfera de intimidad. En italiano da cámera significa ‘para la habitación’. Significa:

diferente de da chiesa (‘para la iglesia’)

música para una pequeña reunión, exactamente como es la música de cámara.

La orquesta de cámara (en inglés chamber orchestra) es una orquesta pequeña, y por lo tanto con posibilidades de ejecutar música dentro de sala pequeña; no es meramente una orquesta de cuerda, porque puede haber también instrumentos de viento.

Teóricamente no hay un límite máximo de instrumentos, pero, en la práctica, la mayoría de las composiciones comprenden desde dos hasta cinco.

Hay muchas combinaciones instrumentales. Frecuentemente el cuarteto de cuerdas se considera como la más importante. Otros grupos usuales de cámara son el trío de cuerdas, el trío con piano, el quinteto con piano y el quinteto de cuerdas. Menos usuales son los instrumentos de viento y de metal. Algunos compositores han escrito obras para grupos mixtos de vientos y cuerdas, y algunos han escrito para instrumentos de viento solos, pero —con la excepción del corno, los instrumentos de metal prácticamente no se han utilizado. Esto se debe probablemente a que su sonido potente no era adecuado para la atmósfera intimista propia del género.

Álvaro 4C

TECHNO HARDCORE

El TECHNO HARDCORE, es un estilo de música electrónica, nacido entre principios de los años 90 y finales de los 80, a raíz del tema "De Euromasters - Amsterdam Waar Lech D Dan" creado por Dj Paul Elstak y Rob Fabrie. Se caracteriza por su velocidad (numerosas producciones alcanzan velocidades más allá de los 200 beats por minuto), agresividad, por su característico bombo distorsionado con efecto reverb y en la mayor parte de los casos porque el "hit" (charles) suele acompañar al bombo en lugar de ir en contra del mismo.

En la mayor parte de los subgéneros del "Hardcore" se utilizan sonidos con "LFO" (oscilaciones de baja frecuencia), distorsiones, reverberación, numerosos filtros, etc... Por otro lado la parte preponderante del tema es la base, sobre la melodía u otros sonidos circunstanciales.

La letra, cuando existe, puede ser de tres tipos. Creada para la propia base o bien puede ser sampleada de otro tema o canción, normalmente suelen ser frases repetidas e incluso cortadas, para crear un efecto de confusión en el oyente.

También puede existir una colaboración. Un DJ o MC colabora en el tema con su voz, pregrabada o en el caso de tratarse de un Live Act (actuación en directo), a través de un micrófono.

Esta música esta declarada hoy en día como una de las mas fuertes del mundo dejando a las músicas de electro como unas simples baladas.

Nico

Operación Triunfo. ¿Música o ventas?

Todos están de acuerdo en lo mismo, en sus principios fue un gran éxito, la mayoria de los aspirantes que se presentaron, consiguieron contratos , tanto como cantantes como presentadores.

Pero el programa ha ido degenerando, paulatinamente y sin que nos diéramos cuenta se ha convertido en un programa meramente reality, en la actualidad se ha convertido en un “gran hermano “más con la excusa de la música que tampoco de mucho de sí.

¿Pero que pasa con los ganadores de las anteriores ediciones?

Muchos de ellos has sacado uno o dos discos , pero seguramente la mayoría de los que vieron la edición en la que aparecía ya no se acuerdan ni de cómo se llaman.

Pero, lo más importante , que pasa con los grandes dimánate en bruto que hay en la escuela , les conviene , ir a la famosa “academia” a perfeccionar su voz ( de manera milagrosa , en un mes mucho “aprenden” a cantar como nuestra querida Esther) y caer en el olvido , o llevar una carrera un poco más metódica pero con inicios más humildes.

Para ser sincero todos sabemos , que la mayoría de los que miran OT lo hacen para ver al rito ese , la gente ya no se interesa por el talento musical , ni por las aptitudes de los futuros cantantes , sino de quien está nominado y de quien esta peleado con quien…

En resumen creo que el programa de OT se ha convertido en un simple programa de reality como lo puede ser “supermodelo” o “fama a bailar”...

Juanma

Red Hot Chilli Peppers

La historia musical de los Red Hot Chilli Peppers comienza en en Los Ángeles, en 1982, cuando varios amigos se unen para formar una banda y tocar en locales nocturnos. Los cuatro amigos eran: Michael Balzary (Flea), en el bajo, Hillel Slovak (guitarra), Jack Irons (batería) y Anthony Keidis como vocalista.

Su primer gran show fue en un concierto, donde para llamar la atención se desnudaron para actuar, lo que les dio una tremenda publicidad en Los Angeles y les valió para firmar un contrato con una gran discográfica.

Irons y Slovak dejan el grupo para dedicarse a otros trabajos y son sustituídos por Cliff Martínez y Jack Sherman, y en 1984 publican su primer álbum, Red Hot Chilli Peppers, que no tuvo demasiado éxito.

Tras este pequeño fracaso, Slovak vuelve al grupo en sustitución de Sherman y se dedican a promocionarse a través de conciertos, antes de editar su segundo disco, Freaky Styley, con nuevo productor. En esta ocasión la suerte sí les sonrió y se hicieron un espacio en el panorama musical en los Estados Unidos.

Un nuevo cambio se gesta en el grupo. Jack Irons regresa y sustituye a Cliff Martínez, volviendo a los orígenes del grupo. Pero algo había cambiado. Los problemas de adicción a las drogas de Slovak empezaban a hacer mella en la calidad del grupo en sus actuaciones.

Con el disco siguiente consiguen superar el listón de ventas: Uplift Mofo Party Plan. Después de la gira del disco, Slovak muere de una sobredosis, y aquello parecía el fin de la banda.

En 1989 el grupo resurgió con nuevos nombres: se unió John Frusciante como guitarrista y Chad Smith en la batería. Junto a Flea y Keidis ya estaban de nuevo en marcha.

Ese mismo año publicaron un nuevo disco, Mothers Milk, considerado como uno de sus mejores trabajos. Realizaron una gira por todo el mundo que resultó un gran espectáculo.

Dos años después publican Blood Sugar Sex and Magic, y en 1995 One Hot Minute.

En 1999 batieron todos sus registros con el álbum titulado Californication, uno de sus mejores trabajos. Y por fin, tras una larga espera de tres años, llegó el lanzamiento de By the Way, con 16 canciones repletas de coros pegajosos y notas punzantes.

ÁLVARO PESET POLO 4º C

Estopa - Allenrok

Allenrok es el quinto disco del dúo español compuesto por los dos hermanos. Producido por ellos mismos. Es un homenaje a su ciudad, Cornellá, por eso el título es ese nombre al revés pero con sustituyendo la letra "C" por la "K".

ESTAS SON LAS CANCIONES DE ESTE NUEVO ALBUM

1.Cuando amanece

2.Cuerpo triste

3.Era

4.Rumba ke tumba

5.La matraca

6.Desempolvando

7.Descatalogando

8.Hemicraneal

9.Jugar al despiste

10.Run run

11.Vientos de tormenta

12.Pesadilla

Dentro de poco va a empezar su gira por toda España y las entradas de los conciertos estan casi todas agotadas.

A todos los que nos gusta ya estamos esperando a que saquen el siguiente.

DANI 4ºC.

Marea

Hacia el invierno de 1997, después de haber formado parte de varias bandas de punk y rock Kutxi Romero decide formar un grupo propio de puro rock’n’roll, para ello decide llamar a Alén Ayerdi, ex batería de Begira que no duda en unirse al proyecto de Kutxi, pese a estar ocupado con otro. Contacta con Edu Beaumont (El Piñas), que había conocido un año atrás. Piñas no había tocado anteriormente en ningún grupo, pero Kutxi que era gran amigo suyo le insiste en formar parte del grupo como bajista. Piñas accede y hace que Kutxi conozca a César Ramallo, que luego sería uno de los guitarristas de Marea. David Díaz (Kolibrí), guitarrista, entra en el grupo como refuerzo para los otro cuatro miembros del grupo.

En su origen, la banda se llamaba "La Patera", pero al ir a registrar el nombre de su banda para lanzar su primer disco titulado "Marea" se enteraron que ya existía un grupo llamado "La Patera". Al no poder convencerlos que les cedieran el nombre intercambiaron los nombres y la banda pasó a llamarse Marea y el disco La patera.

Kutxi Romero: (voz)

Eduardo Beaumont (piñas): (Bajos)

César Ramallo: (guitarra)

David Díaz (colibrí): (guitarras eléctricas y acústicas)

Alén Ayerdi: (batería y coros)

Guillermo Torregrosa Rodríguez y Eva Mínguez Puerta 4C

El sueño de Morfeo

El sueño de Morfeo es un grupo compuesto por Raquel del Rosario (voz), Juan Luis Suárez y David Feito (guitarra), quienes desde Asturias llevan algunos años trabajando juntos y elaborando canciones de sólidas estructuras pop-rock aderezadas con fuertes aromas folk, apoyados en la llamativa voz de Raquel.

Originariamente, Juan Luis y David llevaban un tiempo componiendo y tocando juntos en diversos grupos en su Asturias natal. A ellos se les unió la jovencísima Raquel, que con apenas 18 años abandonó las Islas Canarias para probar suerte en Asturias. Juntos formaron El sueño de Morfeo. Con el apoyo de otros instrumentos entre los que se encuentra la gaita, lo que le da un sello muy personal, sus temas enlazan una base rock, delicadeza en los arreglos musicales y unas hermosas melodías vocales.

Con su primer tema, "Nunca volverá", empezaron a sonar en todas las emisoras del país y El sueño de Morfeo adquirió muy pronto cierta popularidad, sobre todo a raíz de aparecer en la serie de televisión "Los Serrano".

El sueño de Morfeo posee una manera especial de componer y arreglar sus propios temas, ensamblando concienzudamente la voz de Raquel con la fuerza de un grupo rockero, hasta conseguir un atractivo sonido que no nos deja indiferentes tras escucharlos.

El primer álbum de El sueño de Morfeo se titula, precisamente, como el grupo. "El sueño de Morfeo" es un trabajo elaborado de forma muy personal por los integrantes del grupo. Las canciones han sido compuestas por ellos mismos, y son interpretadas de manera que lleguen directamente a su público.

En 2007 El sueño de Morfeo publica su segundo álbum, titulado "Nos vemos en el camino", 13 temas más 1 bonus track llenos de rock urgente y melodías pegadizas, sin perder la personalidad del grupo que sigue utilizando instrumentos celtas como la gaita.

Rebeca Torres, Cristina Gonzalez y Lluna Compañ 3ºB